bueno se me ocurrio hacer esto cada semana elegir un grupo y poner su biografia, su discografia algunas fotos y otras boludeces la primer banda que elegi pera esto es Led Zeppelin una banda que personalmente me gusta y mucho
Biografia:
Led Zeppelin
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Led Zeppelin nace de la estela dejada por The Yardbirds, el legendario grupo en el que lideró Eric Clapton. En los últimos tiempos de los Yardbirs, figuraba el guitarrista Jimmy Page, quien anteriormente había hecho colaboraciones en bandas de la talla de los Rollinsg Stones, The Who, Them, etc. Cuando The Yardbirds se separaron en 1967, Jimmy Page funda junto al bajista Chris Dreja los que en principio se llamaron The New Yardbirds. El hecho de llamarse así se debe a que Jimmy y Chris se ven en la obligación legal de cubrir los conciertos que los Yardbirds tenía contratados antes de la separación. Por consejo de Terry Reid, Page escucha una audición de un joven cantante llamado Robert Plant. De inmediato, Plant es aceptado en la banda. Por aquella época época Dreja abandona el grupo y es sustituído por John Paul Jones como bajista. El puesto de batería lo ocuparía, después de varios tanteos, John Bonham.
Después de algunos conciertos,
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graba en octubre de 1968 el que sería su primer álbum, en apenas 30 horas de estudio. A finales de ese mismo año, firman un contrato por la discográfica Atlantic Records y comienzan una gira por los Estados Unidos.
En Enero de 1969 se publica el primer disco de Led Zeppelin, que muy pronto se coloca destacado en las listas de ventas con su estilo de rock heavy. Entre gira y gira, los Led Zeppelin graban su segundo álbum. titulado "II", con el que se aupan al número uno de las listas.
En octubre de 1970, Led Zeppelin publica su tercer trabajo, tiulado "III". Pero la consagración definitiva del grupo llegará en su cuarto trabajo, conocido como "IV", de 1971. Se trata del disco más vendido de Led Zeppelin e incluye canciones como "Stairway to Heaven", "Rock and Roll" y "When the Levee Breaks".
En 1973 Led Zeppelin publica un nuevo álbum, titulado "Houses of the Holy". Se trata de un disco en el que mezclan sonidos reggae con funk y con su propi estilo heavy. Este disco consigue directamente el número uno en Estados Unidos y en Gran Bretaña.
En 1974 Led Zeppelin crea su propio sello discográfico, con el que a partir de entonces publican sus propios trabajos. El primer trabajo de esta época es "Physical Graffiti", de 1975, un doble álbum que es considerado por sus fans como uno de los mejores de la banda. A este disco siguió una gira mundial que se vio truncada en agosto de 1975 por un accidente de Robert Plant.
En 1976 aparece "Presence", un notable trabajo de Led Zeppelin que, a pesar de ello, no obtiene el éxito de trabajos anteriores.
En 1979, tras un año de descanso, Led Zeppelin publica el que sería su último trabajo de estudio, titulado "In Through The Out Door". La tragedia golpea al grupo cuando en 1980 John Bonham es encontrado muerto en la casa de Jimmy Page tras una fiesta. El 4 de Diciembre de ese mismo año el resto de miembros de Led Zeppelin hacen pública su disolución. En 1982 aparece el que se podría denominar como álbum pçostumo de Led Zeppelin, titulado "Coda", con algunas grabaciones inéditas del grupo.
En 1988 los miembros de Led Zeppelin se reúnen en un concierto conmemorativo de los 25 años de Atlantic Records. Este hecho dispara los rumores de reaparición de la banda, pero dichos rumores nunca llegaron a fundamentarse.
Discografia:
<TABLE cellSpacing=0 cellPadding=0 width="100%" align=left border=0><TBODY><TR><TD width="70%"><TABLE cellSpacing=0 cellPadding=0 border=0><TBODY><TR><TD width=10></TD><TD>Led Zeppelin
<DFN>Atlantic
Publicado el 12 de Enero de 1969
Producido por Jimmy Page
Productor ejecutivo: Peter Grant
Ingeniero: Glyns Johns</DFN>
</TD><TD width=10>
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</TD></TR></TBODY></TABLE></TD><TD>
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</TD></TR></TBODY></TABLE>
Un debut más que prometedor, grabado en tan sólo 30 horas en los estudios Olympic de Londres en Octubre del 68. La banda se encuadra con este disco dentro del movimiento blues británico, al lado de otros grupos como Ten Years After o Johnny Winter. Sin embargo, también da muestras evidentes de cuál va a ser su estilo personal: rock and roll impregnado de blues, con riffs virtuosos, folk e incluso influencias de la costa oeste americana (algunos comparan la voz de Plant con la de Janis Joplin). La mayoría de las canciones aparecen firmadas por Jimmy Page y el resto de miembros del grupo, salvo Plant, que seguía bajo contrato con la CBS.
El manager del grupo, Peter Grant, preparó con este disco el futuro asalto a América. En una visita a Nueva York, firmó un
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por cinco años con Atlantic que daba a Page, productor de todos los discos del grupo, absoluta libertad en el plano musical. Además, les embarcó en una gira como teloneros de Vanilla Fudge, sustituyendo al grupo de Jeff Beck, que se tuvo que retirar a última hora. El 26 de diciembre de 1968, Led Zeppelin debuta en Denver, en la que sería la primera de sus giras triunfales por Estados Unidos.
Sobre la portada del disco, un vistazo a la foto del grupo (realizada por Chris Dreja, bajista de los Yardbirds) nos muestra a cuatro jovenzuelos con inquietudes musicales, muy propios del Londres de aquellos años. Y por supuesto, la foto del Zeppelin en llamas, que dio pie a una anécdota. Durante una gira por Holanda, el grupo se presentó como The Nobs, ya que la baronesa Eva Von Zeppelin, sobrina del inventor del dirigible, se negó a que "unos monos chillones" usaran su apellido. Y eso a pesar de que intentaran convencerla, como contaba Page:
<CITE>"La invitamos al estudio para que nos conociera y viese que éramos buenos chicos. Logramos calmarla, pero al salir del estudio, vio la foto del disco, con el Zeppelin ardiendo y montó en cólera." </CITE>
Good Times Bad Times
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<DFN>(Jimmy Page, John Paul Jones & John Bonham) </DFN>
La primera canción da la medida del disco. Good Times Bad Times es un rock clásico, con un riff pegadizo de Page y la sección rítmica Jones/Bonham empleándose a fondo. El tema fue lanzado como sencillo el 10 de enero del 69, y llegó al puesto 80 en las listas americanas.
Babe I'm Gonna Leave You
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<DFN>(Anne Bredon/Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Babe I'm Gonna Leave You era un tema de Anne Bredon, una cantante folk de los 50 también conocida como Annie Briggs y que ya había versionado Joan Baez (no era pues un tema "tradicional" como indicaban los créditos originales del disco). Plant había interpretado la canción en uno de sus primeros encuentros con Jimmy Page en la casa de éste en Pangsbourn, y entre los dos adaptaron la versión de Joan Baez, aunque dándole un sonido mucho más duro, fusionando elementos acústicos y eléctricos. La contribución de Annie Briggs aparece reconocida gracias a su hijo, que descubrió la versión original y forzó legalmente su inclusión en los créditos del disco.
You Shook Me
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<DFN>(Willie Dixon & J.B. Lenoir)</DFN>
Uno de los dos "standards" de blues del disco, You Shook Me había sido grabado por Willie Dixon y anteriormente por Muddy Waters. La canción tiene un tempo pronunciadamente lento, lo que hace destacar la ironía
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de la letra (con algunas líneas tomadas de la canción Stones In My Passway, de Robert Johnson: "I have a bird that whistles, and I have birds that sing"). En la parte músical, aparece por primera vez John Paul Jones tocando el órgano, así como la armónica de Plant, tocada casi con "pereza". El final del tema es un diálogo entre Robert Plant y la guitarra de Page con efectos curiosos, como el eco que precede al sonido, un truco de estudio muy usado por Page (como en Ten Little Indians, grabada con los Yardbirds). Mas referencias: Jeff Beck grabó anteriormente una versión para su album Truth con arreglos similares, pero el caso es que la canción era todo un clásico para los músicos de blues británicos, con lo que no parece justo hablar de plagio.
Dazed And Confused
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<DFN>(Jimmy Page)</DFN>
Uno de los puntos culminantes del disco, Dazed And Confused presenta varias curiosidades. La primera, el origen de la canción; parece probado que provenía de una canción acústica del cantante folk Jake Holmes, con el mismo título. Los Yardbirds grabaron la canción cambiando el título por I'm Confused (probablemente para evitar problemas de copyright, como ya habían hecho con Train Kept A-rollin – Stroll On). En algunos LP's anteriores a Led Zeppelin, la canción aparece como Dazed And Confused, atribuída a los New Yardbirds. Y en Led Zeppelin mantiene este título pero con distinta letra (la canción trataba inicialmente de un "viaje" con LSD). Sobre la presunta autoría de los New Yardbirds, Page comentaba:
<CITE>"No sé nada de eso. Prefiero no meterme porque no conozco todas las circunstancias. ¿Qué tiene, el riff o qué? Porque Robert escribió algunas de las letras en ese disco. Pero sólo estaba escuchando... la extendimos a partir de la que tocábamos con los Yardbirds. No he escuchado a Jake Holmes, así que no sé de qué va de todos modos. Normalmente mis riffs son bastante originales [risas]. ¿Qué puedo decir?" </CITE>
Ese riff del que habla Page es uno de los puntos fuertes de la canción, y por supuesto no pasó desapercibido (poco tiempo más tarde, los Black Sabbath prácticamente lo calcaban en su Paranoid). También conviene destacar la parte central, en la que Page toca la guitarra con... ¡un arco de violín! La idea se la había sugerido un violinista de estudio, y ya la había usado con los Yardbirds en canciones como Glimpses o Tinker Tailor Soldier Sailor. El arco vuelve a aparecer en este mismo disco, en How Many More Times y diez años más tarde en In The Evening. Después del trozo con el arco aparece un solo fantástico que también procede de la época de los Yardbirds, concretamente de la canción Think About It (al igual que la linea del bajo que toca Jones).
Your Time Is Gonna Come
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<DFN>(Jimmy Page & John Paul Jones)</DFN>
En esta ocasión, todo el protagonismo es para John Paul Jones, que toca el órgano. Por lo demás, la canción es un "medio tiempo" al estilo de las bandas californianas (aunque la letra es típicamente blues). Por cierto, un tema de Lynrd Skynrd, el famoso Sweet Home Alabama, comparte algo más que un par de acordes con esta canción. Algunos fans con buen oído aseguran que al final de la canción hacia el punto 4:33, se puede escuchar como Plant dice algo (supuestamente "Wait for you, wait for you...")
Black Mountain Side
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<DFN>(Jimmy Page)</DFN>
Casi antes de que acabe Your Time Is Gonna Come, aparece este delicioso instrumental de Page, ayudado en la percusión (tabla hindú) por Viram Jasani. De nuevo, la inspiración para este tema proviene de artistas folk, como Bert Jansch (cuyo tema Blackwater Side tiene un riff prácticamente idéntico), aunque Page vuelve a citar a Annie Briggs:
<CITE>"No fui totalmente original en ese riff. Se oía mucho en los clubs de folk. Annie Briggs fue la primera a quién se lo oí tocar. Yo también lo usaba y también estaba la versión de Bert Jansch." </CITE>
Sin embargo,según Annie Briggs el riff es obra de Stan Ellison, que compuso el acompañamiento de su versión. Parece ser que a Page le enseñó la canción el músico folk Al Stewart, durante una sesión de estudio, y le parecio fantástica, aunque había una pequeña diferencia: la afinación de la guitarra debía ser en Re natural. De hecho, la forma de afinar que aparece en esta canción, Re La Re Sol La Re, (DADGAD en la notación inglesa) es todo un clásico que también se puede encontrar en White Summer, Kashmir, Swan Song (inédita) y Midnight Moonlight. Supuestamente, Davey Graham fue su creador, aunque no se sabe muy bien si Page estaba al tanto. Como curiosidad, Led Zeppelin solía interpretar en directo Black Mountain Side en un medley junto con White Summer.
Communication Breakdown
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<DFN>(Jimmy Page, John Paul Jones & John Bonham)</DFN>
Esta canción, realmente rápida, fue la cara B de Good Times Bad Times y es el rock más clásico del disco. Tiene algunas similitudes con Nervous Breakdown, de Eddie Cochran, aunque más como homenaje que como fuente directa. Las mejores versiones de la canción se encuentran en algunos discos piratas, donde Robert Plant aprovecha la parte central para "desconectar" e improvisar otras canciones (por ejemplo, It's Your Thing, de los Isley Brothers).
I Can't Quit You Babe
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<DFN>(Willie Dixon)</DFN>
El segundo clásico de blues del disco está grabado a mayor gloria de Robert Plant, que pega unos gritos realmente asombrosos (a este respecto, las leyendas sobre Plant cuentan que en sus inicios cantaba con tanta potencia que llegaba a romper los altavoces). Exageraciones aparte, el grupo entero demuestra su oficio como banda de blues, uno de sus puntos fuertes. También es reseñable la batería de John Bonham, que llena por sí sola trozos enteros de la canción.
How Many More Times
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<DFN>(Jimmy Page, John Paul Jones & John Bonham)</DFN>
Y para despedirse, todo un monumento de canción, de más de ocho minutos (y no tres y medio, como decía la contraportada original –se rumorea que para engañar a los pinchadiscos de la radio y que la emitiesen al menos una vez). Musicalmente, la canción es una mezcla de muchos elementos: el riff, tan simple como efectivo, la sección central con Page usando el arco de violín y algunas sorpresas como un trozo de Beck's Bolero, la composición de Page para el primer single de Jeff Beck, que aparece como un guiño o quizás como un chiste privado. También están las habituales referencias a blues clásicos: How Many More Years, de Howlin' Wolf ya interpretada por The Band of Joy, o The Hunter, de Albert King, el trozo de "Rosie" y el "They call me the Hunter..." que canta Plant antes de que vuelva a aparecer el estribillo (sobre una base de Bonham en plan marcha militar). El resto de la letra parece que esta basada en otra versión del mismo título grabada por Gary Farr & The T-Bones, mientras que los arreglos son una adaptación de las improvisaciones en directo de Smokestack Lightning, otra canción de Howlin' Wolf que solían interpretar los Yardbirds liderados por Page. También es impresionante el discursito de Plant, contando sus "problemas" ("...diez hijos y otro de camino, eso hacen once").
Led Zeppelin solía incluir esta canción en sus actuciones, con algunas variantes. En un concierto celebrado el cumpleaños de Page, la cosa se alargó:
<CITE>"Estabamos acabando How Many More Times y nos disponíamos a pasar a The Lemon Song. Pero el público seguía dando palmas, así que... seguimos tocando el riff durante otros diez minutos." </CITE>
También es impresionante el discursito de Plant, contando sus "problemas" ("...diez hijos y otro de camino, eso hacen once"). Sobre la frecuente inclusión del "ten" en las letras de Plant, hay algunas teorías bastante ridículas; es cierto que aparece en How Many More Times, Heartbreaker, Ramble On y Ten Years Gone, pero mas parece una forma de cuadrar los versos que una alusión céltica a la simbología del diez. Aunque si quereis ver interpretaciones extrañas, esperad al cuarto disco...
<TABLE cellSpacing=0 cellPadding=0 width="100%" align=left border=0><TBODY><TR><TD width="70%"><TABLE cellSpacing=0 cellPadding=0 border=0><TBODY><TR><TD>Led Zeppelin II
<DFN>Atlantic
Publicado el 22 de Octubre de 1969
Producido por Jimmy Page
Productor ejecutivo: Peter Grant
Ingenieros: George Chkiantz, Chris Huston, Andy Johns, Eddie Kramer</DFN>
</TD><TD width=10>
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</TD></TR></TBODY></TABLE></TD><TD>
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</TD></TR></TBODY></TABLE>
La consagración del sonido Zeppelin llegaría con este disco. Led Zeppelin II contiene un sonido mucho más duro y a la vez un estilo más refinado en las piezas de blues y folk. El álbum fue realizado con el grupo en plena gira, así que cada canción se grabó en un estudio distinto y todas se mezclaron en los estudios A&R de Nueva York con la asistencia de Eddie Kramer, uno de los productores habituales de Jimi Hendrix.
Led Zeppelin II supuso un inmenso éxito, gracias sobre todo a su single de presentación, Whole Lotta Love, una de las mejores canciones de rock de todos los tiempos. Una toma editada de la canción llegó al numero 4 de las listas americanas (pese a las quejas de Page), y también una versión del grupo CCS, liderado por Alexis Korner se usó durante años como sintonía del programa de la BBC Top of the pops.
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La portada, diseñada por David Juniper, tiene varios detalles interesantes: los hombres que aparecen en la foto son pilotos de la division Jasta de la Luftwaffe (la fuerza aerea alemana), con las caras cambiadas por las del grupo. También aparecen las caras de Peter Grant, Richard Cole, el "bluesman" Blind Willie Johnson y una mujer, que resulta ser Glynis Johns (la madre en la película Mary Poppins). Esto último parece ser una broma sobre Glyns Johns, productor del primer disco. La silueta del Zeppelin, blanca sobre el fondo marrón (?) hace que se conozca también al disco como "The Brown Bomber". Una curiosidad interesante: las primerísimas ediciones del disco incluían el subtítulo "The only way to fly", y se pagan a precio de oro.
Whole Lotta Love
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<DFN>(Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones & John Bonham) </DFN>
La risa de Robert Plant inicia la canción más reconocible del grupo (después de Stairway to Heaven). Whole Lotta Love tiene mucha historia detrás. El riff, una "marca de la casa" de Led Zeppelin, es invención de Page, pero la letra es de You Need Love, una canción de Willie Dixon. Según Plant:
<CITE>"El riff era el de Page. Estaba ahí antes que nada. Yo pensé, 'bueno, y ¿qué canto?'. Eso era, un pequeño 'robo'. Ahora felizmente compensado. Por aquel entonces, había muchas conversaciones sobre qué hacer y se decidió que estaba tan lejano en el tiempo (7 años, de hecho), que... bueno, sólo te pillan cuando tienes éxito. Así es el juego."</CITE>
En 1985, Willie Dixon inició un pleito contra la banda por el uso de su letra, aunque se llegó a un acuerdo. En las últimas ediciones de la canción (singles promocionales del Remasters, por ejemplo) Willie Dixon aparece incluído en los créditos.
La sección central de la canción incluye todos los trucos de estudio posibles. Algunos sonidos fueron creados por Page y Kramer moviendo controles al azar, los sonidos de platillos son de la pista de batería tocada por Bonham y los aullidos son de Plant (quién si no), filtrados hasta conseguir un timbre lo más exótico posible. Pero hay otro sonido que merece explicación aparte: se trata del theremin, un sintetizador muy primitivo. Fue inventado en los años 30 por un ruso que vivía en Inglaterra, Leo Theremin, y produce sonido mediante un oscilador de radiofrecuencia y la variación de capacidad entre una antena y... cualquier parte del cuerpo del intérprete al moverse. Page usaba este chisme en vivo al interpretar Whole Lotta Love y No Quarter. Pero también se puede oír este instrumento en canciones de otros grupos, como en la introducción de Good Vibrations, de los Beach Boys.
Era habitual en los conciertos que al terminar la canción, Plant improvisara alguna canción, como Let That Boy Boogie, de John Lee Hooker. Y esto sucede en una de las anécdotas mas graciosas del grupo: al final de uno de los shows de Knebworth en el 79, después de dos horas de actuación, Jimmy está exhausto, pero Plant sigue con el número: "...one night, I believe I told you this before, but one night I was laying down and hear my mama and papa talking...". Sin embargo, Page se cobra venganza, y cuando Robert va a dejar el escenario, levanta el dedo, indicando "una más" y ¡comienza a tocar Communication Breakdown!
What Is And What Should Never Be
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Una bonita composición del tandem Page/Plant, con la típica letra de amor de Plant y su voz filtrada (con flanging, un efecto que consiste en mezclar la señal original con la misma señal retardada y modulada). La canción parece estar formada por dos partes, con un final mucho más enérgico introducido por otro riff clásico de Led Zeppelin.
The Lemon Song
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<DFN>(Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones & John Bonham)</DFN>
Sin duda, una de mis canciones favoritas de Led Zeppelin. El tema se grabó en vivo en el estudio, y se inicia con el gong de John Bonham, seguido de otro riff maravilloso de Page al que responde la batería. The Lemon Song comprende practicamente todas las influencias blues de Led Zeppelin, especialmente en la letra, que no estuvo exenta de problemas legales. Howlin' Wolf presentó una demanda contra el grupo, ya que la canción tomaba mucho prestado de su Killing Floor (incluso, en las primeras ediciones del II, ese era su título).
Después del primer solo, toda una joya, la canción casi se convierte en una jam session, y el protagonismo es para John Paul Jones, magistral al bajo, y Robert Plant. En ese punto se suceden multitud de referencias, como Cross Cut Saw, de Albert King, Hoodoo Woman, de Lightning Slim (la parte de "...you take my money and give it to another man") y la primera versión de Travelling Riverside Blues, de Robert Johnson (curiosamente, la parte del "limón", que Johnson había tomado de Art McKay: She Squeezed My Lemon).
El verso final ("down on this killing floor") es una expresión clásica del blues: la mujer que deja al hombre tirado, casi como en un "matadero". El tema ha tenido muchas adaptaciones, como la versión del Killing Floor que hizo Hendrix.
Thank You
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
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Una preciosa canción de amor de Robert Plant, dedicada a su primera esposa, Maureen. Robert la conoció en un concierto de Georgie Fame, y se casó al poco tiempo con ella, el 9 de noviembre de 1968. En Thank You le dedica una de sus mejores letras, con algunos préstamos de If 6 was 9, que aparece en el Lp Axis: Bold as Love de Jimi Hendrix.
Los otros detalles interesantes de la canción son la intervención de John Paul Jones al órgano (de los cuatro miembros de la banda, Jones parece el único capaz de tocar cualquier instrumento) y los coros del propio Jimmy Page, con una calidad más o menos aceptable (se le puede oír en la parte de "little drops of rain"). También es curioso el parecido en los acordes a una canción del grupo Traffic llamada Dear Mr. Fantasy, debidas según se cree a que Jimmy Page fue el guitarrista en esa canción.
Heartbreaker
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<DFN>(Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones & John Bonham)</DFN>
¡Atención! Llegamos en este punto a uno de los mejores solos de guitarra de todos los tiempos. Lo cierto es que Heartbreaker es una de las mejores canciones del disco, gracias a su riff machacón (uno de los favoritos de Beavis y Butthead, por cierto) pero sobre todo a ese corte en mitad de la canción. En ese momento justo, Page realiza un sólo en el sentido más académico de la palabra y sólo después de recuperar el aliento, volvemos a oír al resto de la banda.
La importancia del solo no es casual, y de hecho, fue grabado por separado y añadido al resto de la canción, con magnífico resultado. Durante los conciertos, Page solía encadenar Heartbreaker con otras canciones, como Bouree (una adaptación de la Suite para laud nº 5 de Bach que realizaron Jethro Tull) o 59th Street Bridge Song, de Simon and Garfunkel.
Living Loving Maid (She's just a woman)
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Apenas acaba Heartbreaker aparece esta canción, que fue la cara B de Whole Lotta Love, aunque sólo alcanzó el puesto 65 en listas americanas. Según todos los indicios, Living Loving Maid se refiere a una insistente groupie, que no dejaba de acosar a la banda durante las primeras giras americanas. De nuevo es el tema de la guitarra el que marca todo el ritmo de la canción, una excelente pieza de rock.
Ramble On
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Llegamos por fin a otra de las obsesiones líricas de Led Zeppelin (o al menos de Robert Plant): la obra de Tolkien. John Ronald Reuel Tolkien (1892-1973) fue profesor de literatura y lengua inglesa en la universidad de Oxford, y aparte de sus estudios sobre literatura medieval o sobre Chaucer, es más conocido por sus novelas, como El Hobbit (1937) y la trilogía El señor de los anillos (1954-1955), en las que desarrolla un universo propio mezcla de magia, tradición e imaginación poética. Ramble On está plagada de referencias directas a Tolkien, como las alusiones a Mordor, Gollum y "the evil one". Mordor aparece en El señor de los anillos como un territorio desolado por la influencia de Sauron, el "señor oscuro" también mencionado en The Battle of Evermore. Por otro lado está Gollum, un Hobbit que cayó bajo el poder del anillo y se convirtió en monstruo. La identidad del "malvado" no esta muy clara: puede tratarse de Saruman, Morgoth... Otra referencia indirecta puede ser la constante búsqueda de que habla la canción, aunque más bien se acerca al otro tema recurrente de Plant, la búsqueda incesante de la mujer perfecta (una mujer que "nunca ha nacido", como dice en Going to California).
Musicalmente, lo más interesante de la canción es el ritmo constante de batería (quizás un bongo) y la perfecta fusión del bajo y la guitarra acústica. También el final de la canción, con la voz de Plant doblada varias veces, con lo que parece que hay cuatro o cinco "Roberts", cada uno cantando una línea distinta.
Moby Dick
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<DFN>(John Bonham, John Paul Jones & Jimmy Page)</DFN>
El turno es ahora para John Bonham, "Bonzo", que realiza uno de los mejores solos de batería de la historia. Por aquella época, en un momento en que el rock empezaba a presumir de virtuosismo, era habitual que los sólos no se limitaran a la guitarra, y así se pueden encontrar auténticas exhibiciones de batería en Soul Sacrifice, de Santana, The Mule de Deep Purple o Toad, de Cream, que resulta ser una de las influencias directas de Moby Dick. Pero aún hay mas.
El título de trabajo de la canción era Pat's Delight, un homenaje a la mujer de Bonham, y la versión que aparece en el disco es parte de otra mucho más larga. El trozo con guitarra y bajo proviene de una canción grabada para la BBC el 16 de Junio del 69, de título The Girl I Love, que nunca se llegó a usar. A su vez, ésta proviene en parte de una canción grabada por Sleepy John Estes en ¡1929!, titulada The Girl I Love, She Got Long Curly Hair. Y algunos fragmentos del solo de batería son calcados a los de la canción Doggone, de Arthur Lee.
El riff de guitarra también tiene una historia propia. Parece ser que se inspira en Watch Your Step, una canción de Bobby Parker, un bluesman a quién Page quiso contratar para el sello de Led Zeppelin, Swan Song. El propio Parker señalaba que la fuente de esa canción era el tema Mantecna, de Dizzy Gillespie, de modo que un tema de jazz se convierte en un blues que se convierte en un tema de rock. Pero ahí no acaba la historia: The Spencer Davis Group, con Steve Winwood al frente, realizaron una versión de Watch Your Step que tuvo un gran éxito en el Reino Unido. Y el mismísimo John Lennon apuntó que el tema de guitarra para Day Tripper empezó como una variación sobre el de Bobby Parker.
Bring It On Home
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Después de tanta referencia más o menos oculta, la última canción deja a las claras que es la admiración la que lleva a Led Zeppelin a hacer versiones de blues clásicos. Bring It On Home, era una canción original de Willie Dixon (y la querella sobre The Lemon Song también la mencionaba), pero esta versión es más cercana a la que hizo Sonny Boy Williamson II. Tanto es así, que al principio y al final de la canción, Plant imita el estilo de Williamson, cantando por el micrófono de la armónica.
Para concluir el disco, Bring It On Home sigue la tónica y tiene un riff clásico de blues, y un trabajo realmente impactante a la batería. Esto nos deja el camino preparado para toda una pausa en el camino, Led Zeppelin III.
<TABLE cellSpacing=0 cellPadding=0 width="100%" align=left border=0><TBODY><TR><TD width="70%"><TABLE cellSpacing=0 cellPadding=0 border=0><TBODY><TR><TD>Led Zeppelin III
<DFN>Atlantic
Publicado el 5 de Octubre de 1970
Producido por Jimmy Page
Productor ejecutivo: Peter Grant
Ingeniero: Andy Johns
</DFN></TD><TD width=10>
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</TD></TR></TBODY></TABLE></TD><TD>
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</TD></TR></TBODY></TABLE>
Credit must be given to BRON-Y-AUR a small derelict cottage in South Snowdonia for painting a somewhat forgotten picture of true completeness which acted as an incentive to some of these musical statements --August, 1970.
"Debe darse crédito a BRON-Y-AUR, una casita de campo en South Snowdonia, por pintar una imagen un tanto olvidada de auténtica completitud que sirvió de incentivo a algunos de estos planteamientos musicales". Esta cita, incluída en la cubierta de Led Zeppelin III sirve para explicar el caracter sorprendentemente tranquilo del disco. Page y Plant se retiraron a esta granja para descansar de las giras y de todo el éxito que había alcanzado el segundo disco, y trabajaron en algunas canciones, muy influídas por la atmósfera del campo. Posteriormente grabaron el disco a medias entre Headley Grange, una mansión en Hampshire (con el estudio ambulante de los Rolling Stones) y los estudios Island en Londres.
El disco quedó así dividido en dos caras completamente distintas: en la primera, los clásicos temas de rock y blues totalmente eléctricos, mientras que en la segunda aparecían exclusivamente temas folk o predominantemente acústicos. La crítica, tras la tremenda sacudida de Led Zeppelin II, esperaba algo más contundente, y no acogió muy bien al álbum. Sin embargo, a mí me sigue pareciendo uno de los mejores discos de la banda.
En cuanto al aspecto externo del disco, la portada es mucho más atrevida que las dos anteriores y está plagada de imaginería hippy. En la edición en vinilo, la carpeta está cubierta de agujeros, con lo que se puede ver la funda del disco, con un diseño completamente psicodélico. El conjunto total, ideado por un tal Zacron, no pareció ser del agrado de Page:
<CITE>"Conocía al artista y le expliqué lo que queríamos... pero se puso muy personal con el diseño. No estaba muy contento con el resultado final; me parecía un tanto esnob. Había un monton de tonterías, como mazorcas de maíz [a modo de zeppelín] y cosas así."</CITE>
El efecto de la portada se pierde casi completamente en la moderna edición en compacto. Pero también hay otro detalle que no aparece: en las primeras ediciones del vinilo aparecía una cita de Aleister Crowley al final del surco del disco (entre el final de la última canción y la etiqueta): "Do what thou wilt shall be the whole of the law", algo así como "Hacer lo que quieras será toda tu ley".
El personaje en cuestión merece un párrafo aparte. Crowley, un famoso ocultista (¿satanista, quizás?) británico aparece también en la portada del Sgt. Pepper's de los Beatles, seguramente por iniciativa de Lennon. Jimmy Page era un gran aficionado a su obra, y también coleccionista de todo tipo de parafernalia esotérica, hasta el punto de que llegó a comprar la antigua casa de Crowley. Todos estos datos (y algunos más, esperad al cuarto disco) han fomentado una serie de rumores bastante disparatados sobre el grupo: que Page es un satanista, que Page, Plant y Bonham vendieron su alma al diablo (lo que explicaría posteriores desgracias personales), etc. En cualquier caso, esta "música del diablo" es en Led Zeppelin III bastante sosegada.
Inmigrant Song
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)
</DFN>La canción vikinga de Led Zeppelin. Parece ser que la inspiración para este tema surgió durante una visita a Islandia en Junio del 70. De cualquier modo, el folklore de Valhalla y del "martillo de los dioses" parece encajar a la perfección con el talante del grupo.
El rasgo primordial de la canción es, aparte de los gritos de Plant, el ritmo machacón (como los remos de la letra). Dentro del capítulo de sonidos extraños, un apartado muy fecundo en toda la discografía zeppelin, los que se pueden oír al comienzo de la canción son ruido de cintas mezclados con la cuenta inicial ("one, two, three...").
Friends
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Siguiendo con los ruidos, el inicio de Friends tiene de todos los colores. Podemos oír una conversación, aunque no se distingue quien habla ni qué dice. Lo que sí se oye es, justo después de la entrada falsa del bajo, a Jimmy diciendo "Fuck!", e inmediatamente un "Ssh". Parece claro que Jones entra antes de que Page esté preparado, y la voz que chista pide silencio a la gente que sigue hablando por detrás (entre ellos, según aseguran algunos, Peter Grant).
Pero centrémonos en la canción. Friends es una canción con una atmósfera que recuerda claramente a la música india, gracias sobre todo a la sección de cuerda (no es un mellotron, como se asegura en ciertos sitios). También es de inspiración clásica el riff que toca Page con la guitarra acústica. Un dato técnico interesante es la afinación de la guitarra, Do Sol Do Sol Do Mi. El Mi de la sexta cuerda hace que esté muy floja, con lo que hace un zumbido muy curioso. Otro dato, y éste no es tan técnico, es que la historia que cuenta Plant es real (?).
Celebration Day
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<DFN>(Jimmy Page, Robert Plant & John Paul Jones)</DFN>
Celebration Day es una de las mejores canciones de Led Zeppelin sobre todo por su letra. No es fácil encontrar canciones de contenido "social" en los discos de la banda, pero desde luego esta sería una de ellas. Según Jones, el grupo quedó bastante asustado del ambiente de violencia habitual en los Estados Unidos, y parte de la letra de Celebration Day puede ser un reflejo de la opinión de Plant.
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En cuanto a la canción, es fácil darse cuenta de que el zumbido con el que acaba Friends y empieza Celebration Day está ahí para tapar un error: la introducción, a cargo de Page, resultó borrada accidentalmente (algunas fuentes maliciosas dicen que fue Richard Cole el que la borró). Y la verdad es que eso nos deja con la miel en los labios, porque el arranque es prodigioso, con una mezcla de dos guitarras, cada una en un canal del estéreo.
Since I've been loving you
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<DFN>(Jimmy Page, Robert Plant & John Paul Jones)</DFN>
Por una vez, la principal aportación blues del disco es original de Page y Plant, exceptuando algunas referencias de la letra a la canción Never, de Moby Grape. Since I've been loving you es un blues desgarrado, con una intensidad extrema, y desde luego, con todos los tópicos del género; sobre todo el del "back door man", llevado a canción por Willie Dixon. En este caso, Plant añade "new fangled", (¿quizás para evitar problemas de copyright?).
Esta canción es especialmente recordada por otro "fallo". El pedal del bombo de Bonham chirría bastante, sobre todo al inicio de la canción (según Page, "¡suena más fuerte cada vez que lo oigo!"). También merece la pena destacar otro solo formidable de Page, introducido por Plant de la mejor manera: Watch Out!
Out on the tiles
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<DFN>(Jimmy Page, Robert Plant & John Bonham)
</DFN>Out on the tiles es un término de jerga británica que significa algo así como "de paseo por la ciudad". Se cree que el título fue obra de Bonham, después de tomarse unas copas (como era su costumbre). La introducción es especialmente buena, y tanto es así que era una de las habituales para dar la entrada a Black Dog.
El riff de guitarra es especialmente elaborado, y eso puede explicar el "Stop!" que se oye en un fragmento de la canción. Según esa teoría, la voz es de Page, que da el grito para acordarse que tiene que parar de tocar. Otros argumentan que es la voz de Plant, y que grita porque Page le está haciendo gestos y no le deja cantar. Sobre la inclusión de Bonham en los créditos, queda suficientemente clara al final de la canción, en el que se emplea a fondo (se pueden distinguir tres "rellenos" de batería distintos, y los tres realmente poderosos).
Gallows pole
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<DFN>(Traditional, arr. by Jimmy Page & Robert Plant)
</DFN>La canción que da titulo a estas páginas es una interesante pieza de folk, con la estructura típica de tema y repeticiones. Gallows Pole, que inicia la cara acússtica del disco, es una adaptación de un tema folk clásico, que ya había sido tratado por Fred Gerlach o por bluesmen como Leadbelly, en su The Gallis Pole (de esta canción se mantiene una línea entera: "Friend, did you get me silver friend you get me gold, what did you get me dear friend, keep me from the Gallis Pole?" y las posteriores repeticiones).
En el aspecto musical, Page aparece tocando por primera vez un banjo, propiedad de John Paul Jones. El banjo no es un instrumento particularmente difícil, y menos para un buen guitarrista, pero según Jones, Jimmy se limitó a tocar y tocar hasta que los acordes le sonaron bien, que era lo que hacía cuando las guitarras tenían afinaciones distintas.
Tangerine
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<DFN>(Jimmy Page)
</DFN>Una preciosa balada que Jimmy Page compuso para Jackie DeShannon, su novia durante la época de los Yardbirds. La cancion tiene un falso comienzo que bien podría haber sido otra gran canción, y después de oir a Page contando hasta cuatro, la banda se marca una pieza de inspiración country, con steel guitar y todo. Como anécdota curiosa, durante un concierto en Earl's Court en 1975, los cuatro miembros del grupo cantaron juntos por primera (y única) vez, y la canción elegida fue Tangerine.
That's the way
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)
</DFN>
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Otra de las canciones compuestas durante el retiro campestre de Page y Plant y que originalmente se titulaba The Boy Next Door. Según Plant, la canción trata sobre la pérdida de un amigo, aunque también menciona temas sociales, o incluso ecológicos. La tranquilidad de la canción habría venido inspirada por contraste a la agitación que Robert pudo observar de cerca en su viaje por los Estados Unidos en 1970. Sobre los datos técnicos, al final de la canción aparece una guitarra al revés, un efecto que volverá a aparecer en este mismo disco.
Bron-y-aur stomp
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<DFN>(Jimmy Page, Robert Plant & John Paul Jones)
</DFN>Una bonita canción folk, que desgrana una bonita historia de amor y está dedicada... al perro de Robert Plant. El animalito, de nombre Strider, tiene los ojos azules según la canción, lo que hace pensar que sea un Collie (este último dato lo puede rebatir cualquiera que sepa más de perros que yo). En cualquier caso, la canción tiene muchas peculiaridades, como su título. Bron-Y-Aur es el nombre de la casa de campo donde Page y Plant permanecieron durante unas semanas para descansar y componer su tercer álbum. El nombre es galés, y aunque nadie lo tiene muy claro, parece ser que su escritura correcta es Bron-Yr-Aur y su pronunciación "bron-rar". Nadie tiene muy claro su significado correcto, aunque la versión más extendida es "el pecho de oro" (sin comentarios).
Musicalmente, la primera versión del tema no era acústica, y llevaba un título más asequible, Jenning's Farm Blues. La versión del álbum presenta un sonido de guitarra especialmente denso, que se consiguió con una afinación especial de la guitarra y añadiendo una buena cantidad de eco invertido. La percusión, a cargo de John Bonham, incluye castañuelas y cucharas, facilmente reconocibles en el estribillo.
Y como no podía ser menos, también hay una ración de prestamos más o menos consentidos. El primero es la introducción, calcada a The Waggoner's Tale, una canción tradicional interpretada por Bert Jansch. Las alusiones caninas de la canción nos remontan a Ole Shep, un tema folk en el que el perro moría por alguna razón desconocida...
Hats off to (Roy) Harper
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<DFN>(Traditional, arranged by Charles Obscure)
</DFN>Una de las canciones menos apreciadas de Led Zeppelin, y sin embargo un gran tema. Primero hay que explicar de Roy Harper es un músico folk, que era amigo del grupo e incluso iba de gira con ellos, aunque sin actuar. Quizás su intervención estelar sea la voz solista en Have A Cigar, de Pink Floyd.
La letra de Hats Off debe mucho a Shake 'em On Down, de Bukka White, que ya fue versionada por Joe Lee Williams o Blind Lemon Jefferson; y cualquiera que entienda inglés comprobará las absolutas "burradas" que contiene (desde luego, en ningún genero que no sea el blues se pueden encontrar esas letras). Pero lo más interesante es el sonido de la canción, con la voz de Plant muy filtrada y con tremolo y la guitarra obteniendo sonidos muy particulares (en concreto parece que Page toca las cuerdas a lo largo con algún objeto).
<TABLE cellSpacing=0 cellPadding=0 width="100%" align=left border=0><TBODY><TR><TD width="70%"><TABLE cellSpacing=0 cellPadding=0 border=0><TBODY><TR><TD>Untitled
<DFN>Atlantic
Publicado el 8 de Noviembre de 1971
Producido por Jimmy Page
Productor ejecutivo: Peter Grant
Ingenieros: Andy Johns, George Chkiantz (The Battle Of Evermore)</DFN>
</TD><TD width=10>
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</TD></TR></TBODY></TABLE></TD><TD>
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</TD></TR></TBODY></TABLE>
La reacción al tercer disco de Led Zeppelin fue, en su momento, bastante tibia. La crítica esperaba un sonido más duro, y los fans reclamaban que el grupo siguiera por el camino marcado en el II. Algunos acusaban al grupo de ser poco más que unos cuantos músicos bajo un nombre, y la respuesta fue muy clara. Page:
<CITE>"Acabamos hartos de las reacciones sobre el tercer álbum, de la gente diciendo que solamente éramos un montaje. Así que dijimos: '¡Saquemos un álbum sin título!' De ese modo, a la gente le gustaría o nada"</CITE>
Y vaya si les gustó. Para la mayoría de los fans y para la crítica, el cuarto álbum es el mejor de Led Zeppelin (algunos fans prefieren Physical Graffitti, quizás por ser doble), y en mi opinión, la banda nunca volvería a llegar al nivel que alcanza en este disco. Desde luego este disco es legendario, casi mitológico, con una historia muy particular detrás de cada pequeño detalle.
Para empezar, su título. Por razones de continuidad, todo el mundo tiende a llamarlo Led Zeppelin IV, aunque esto no es del todo riguroso. En su versión original, no había absolutamente NADA escrito en el disco que permitiese identificarlo, salvo la frase "Produced by Jimmy Page" en la funda interior. La sensación de misterio que encierra la edición en vinilo es formidable (si sois fans de Led Zeppelin, deberíais buscar una copia de segunda mano y echarle un vistazo, merece la pena), algo que se ha perdido completamente con la edición en CD. Y para aumentar más el misterio, en la funda también aparecían unos extraños
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Otro tanto sucede con la portada, que en esta ocasión conectó más con los gustos del grupo, como comentaba Page:
<CITE>"Robert y yo ideamos el diseño del IV. Robert había comprado la lámina que aparece en la portada en una chatarrería en Reading. Entonces se nos ocurrió la idea de que la imagen -el hombre con la leña- representase lo antiguo en un edificio derruído, con lo nuevo surgiendo por detrás."</CITE>
A este respecto, en una de las casas que se ven al fondo de la foto aparece un cartel blanco con este mensaje: "Alguien muere de hambre cada día". Se intentó que las letras fueran más visibles, pero el resultado es el que aparece.
La ilustración del interior, elegida especialmente por Jimmy, fue realizada por Barrington Colby, y representa al Ermitaño del tarot, una figura que representa (siempre según Page) autosuficiencia y sabiduría. Por supuesto que tiene sus curiosidades; si poneis el dibujo junto a un espejo, la montaña parece un dragón (o un perro, o cualquier cosa que querais... ).
Y lo último. En la funda del disco aparecía la letra de una de las canciones. Se trataba por supuesto, de Stairway To Heaven. Pero vayamos por orden:
Black Dog
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<DFN>(Jimmy Page, Robert Plant & John Paul Jones)</DFN>
Ruido sordo de guitarras y arranca la canción (y menudo arranque). Piropos descarados de Plant, un riff elaboradísimo, y la contundencia habitual de Bonham, con un ritmo quebrado. Black Dog fue lanzado como primer single del álbum en diciembre del 71, y llegó al puesto 15 de las listas americanas (sobre la carrera comercial del Untitled, es curioso comprobar que no llegó al numero uno de ventas, puesto ocupado por otro disco mítico, Tapestry de Carole King). Es un buen botón de muestra del álbum: rock puro y duro, directo al estómago.
Cabe señalar que en esta ocasión el riff sobre el que se construye la canción es el del bajo, cortesía de John Paul Jones. También que los arreglos vocales están influenciados por Oh Well de Fleetwood Mac, algo admitido por el propio Robert Plant (por cierto, esa canción es una de las mejores que yo haya oído en mi vida). Pero sobre todo merece la pena aclarar el nombre. Ese "perro negro" era un perro labrador que deambulaba por Headley Grange mientras la banda grababa. A Robert le gustaba presentar la canción contando que el perro era "demasiado viejo para bailar el boogie".
Sólo una nota más: en los conciertos Led Zeppelin solía reemplazar la apertura de Black Dog con la de cualquier otra como Out On The Tiles o Bring It On Home, quizás como broma sobre el parecido de los acordes.
Rock And Roll
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<DFN>(Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones & John Bonham)</DFN>
Bajo cualquier punto de vista, una de las mejores canciones de rock de todos los tiempos, y una de mis favoritas. Rock And Roll, titulada inicialmente It's Been A Long Time, fue concebida como un homenaje a las canciones clásicas del género, y así no es extraño encontrar al final de la canción a Ian Stewart, el pianista de los Stones o descubrir que el ritmo de la batería deriva del de Good Golly Miss Molly de Little Richard. Ese ritmo de batería es uno de los mejores que se recuerdan, hasta el punto de haber sido sampleado por varios grupos actuales, como los Beastie Boys (y seguramente de forma oculta por otros muchos grupos de hip-hop).
Por cierto, puede que el nombre de Ian Stewart no os recuerde nada a los Stones (¿pero no eran Jagger, Richards y todos esos?) pero es cierto: Stewart era miembro de los Stones, pero su primer manager, Andrew Loog Oldham, decidió que su aspecto no era lo suficientemente comercial, y le convirtió en mero road manager. Ian era amigo de los Zeppelin, y volvería a repetir con ellos en Boogie With Stu, una canción cuyo riff es casi idéntico al de Rock And Roll, excepto en el tempo.
The Battle Of Evermore
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Tras un arranque tan vigoroso, se impone escuchar una canción más lenta. Y se trata de The Battle Of Evermore, una canción hermosísima de temática medieval-fantástica y con la voz invitada de Sandy Denny, vocalista de Fairport Convention. La leyenda de la canción dice que Sandy casi se ahoga para intentar llegar al tono de Plant, aunque esto parece una exageración. En cualquier caso, la suma de estas voces es uno de los momentos cumbres del disco.
La instrumentación se aleja de lo habitual en Led Zeppelin (no hay batería) y así podemos escuchar a Jimmy Page tocando la mandolina; desde luego que no es lo suyo, pero hay que admirar su versatilidad. Pero voy a detenerme en analizar la letra:
Por aquel entonces, Robert estaba leyendo un libro sobre las guerras en la frontera de Escocia, lo que mezclado con la habitual influencia de Tolkien, dio forma a la canción. Aparte del "Señor Oscuro", que sería Sauron, hay una referencia más oscura; los "ringwraiths" son los Nazgul, y ese es el nombre que les da la gente de la tierra media. Los Nazgul son sirvientes de Sauron, que recorren la tierra en busca del anillo, encontrado por Bilbo Bolsón ("Bilbo Baggins") en El Hobbit. Los Nazgul visten de negro, y de ahí la línea de la canción. Tambien podemos identificar a la "reina de la luz" como Galhadriel. Otras referencias son Avalon (la región mágica a donde fue el rey Arturo tras su muerte) y las runas mágicas, que seguramente son los cuatro símbolos de la banda. El resto de alusiones provienen de un libro de Lewis Spence, "The Magic Arts in Celtic Britain".
Stairway To Heaven
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
LA canción. No importa a quién se lo preguntes, el nombre de Led Zeppelin está indisolublemente unido a Stairway to Heaven, posiblemente la mejor canción rock de todos los tiempos. Las cifras cantan, y Stairway to Heaven es una de las canciones más radiadas de todos los tiempos, más de 3 millones de veces, y es pieza obligada de todos los aspirantes a guitarrista (también es la partitura más vendida de la música rock).
Siguiendo con el caracter mítico (o mitológico) de todo el disco, circula una bonita leyenda sobre el primer concierto en que la banda tocó Stairway to Heaven: fue en el Ulster Hall de Belfast, el 5 de marzo de 1971, antes de que se publicara el disco, y los chicos querían comprobar si al público le gustaría la canción. La tocaron perfectamente, sin ningún fallo, y al acabar el público se quedó en silencio. "Creo que dejaremos ésta fuera" dijo Plant a los demás. Y justo cuando se giraba, vio una luz en el público; de repente, una atronadora ovación pidió que repitieran la canción. Si bien esta historia no esta confirmada, hay otra que sí lo está: la versión más larga que jamás hicieran Led Zeppelin coincidió con... su último concierto, el 7 de Julio de 1980 en Berlín.
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Pero vamos a la canción. La letra es mágica, intrigante, y sobre todo hermosa. Se dice que estaba dedicada a una mujer que conocían Page y Plant, pero la referencia a la "dama" podría hablar más del materialismo ("hay una dama que cree que todo lo que brilla es oro"). La referencia clara a esta mujer sería el trozo de la "Reina de Mayo", la chica que preside una fiesta de la primavera. El trozo del "seto" (hedgerow) sería una alusión más o menos directa a los genitales femeninos (en jerga inglesa, "bush", arbusto) y toda la estrofa hablaría de la llegada a la madurez de una adolescente. Plant ofrecía una versión más refinada:
<CITE>"Lo que es, es el comienzo de la primavera, cuando los pájaros hacen sus nidos, cuando empiezan la esperanza y el nuevo año. ¡Y no tiene nada que ver con esas cosas raras que se leen en América!"</CITE>
Las cosas raras de las que habla Plant merecen un comentario aparte. Aunque parezca mentira, hay quien piensa que Stairway to Heaven contiene un mensaje oculto, que se descubre al poner la canción al revés. La técnica para ocultar mensajes invertidos en una canción (si es que existe como técnica) se llama "backmasking", y tuvo como descubridores a varias sectas ultrarreligiosas de Estados Unidos, siempre dispuestos a encontrar influencias perversas en la música rock. Según esto, al llegar al trozo "...yes there are two paths..." de la canción, se puede escuchar "Here's to my sweet satan" (¿). Todo esto enlaza con el rumor de que el grupo había vendido su alma al diablo a cambio de fama y fortuna, lo que los acarreó numerosas desgracias: la muerte del hijo de Plant, la de Bonham, etc. Este rumor no es nuevo, y ha rodeado a artistas como Nicola Paganini, Jim Morrison, Eric Clapton (que también es "dios", según las pintadas que aparecían en los locales donde actuaba) Alice Cooper y en general cualquiera con un mínimo éxito.
Volviendo a temas más serios, la música de Stairway To Heaven destaca por la perfecta fusión de elementos acústicos y eléctricos. Al principio de la canción oímos el tema principal, interpretado por una flauta dulce (no es un mellotron, como creen algunos) que toca, para variar, Jones. Enseguida aparece la guitarra y luego la voz de Plant; la guitarra va ganando en fuerza y aparece la batería, impecable. Por su parte el solo se grabó en varias tomas con una Fender Telecaster; Page probó varios solos distintos y escogió después el que más le convencía; hay varias tomas alternativas en discos piratas, pero ninguno de los solos es mejor que éste.
Por último, ante una canción tan apabullante como esta, uno siempre se lanza a buscar parecidos o coincidencias. Así, los más entendidos (o los más aguafiestas) aseguran que los acordes iniciales remiten a una canción de Johnny Rivers, llamada Summer Rain, o quizás a And She's Lonely, de la Chocolate Watch Band, un grupo psicodélico. Es poco probable que Led Zeppelin se inspiraran en estas canciones, pero si resulta más probable que lo hicieran con Taurus, un tema instrumental del grupo Spirit. De cualquier modo, los acordes que siguen a la introducción y el desarrollo de la canción son puramente originales, y más bien ha sido Stairway To Heaven la que ha influído al resto del mundo en la manera de hacer canciones acústicas. Pura magia.
Misty Mountain Hop
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<DFN>(Jimmy Page, Robert Plant & John Paul Jones)</DFN>
La cara B del disco empieza con el mismo vigor que la primera. Misty Mountain Hop tiene un ritmo que hace que no pase desapercibida. El título de la canción es de nuevo una alusión a Tolkien, en concreto a uno de los lugares mencionados en El Hobbit. Sin embargo, la historia que cuenta Robert es mucho más realista e irónica.
Parece claro que la letra se refiere a ciertos problemas con la policía y con algun tipo de sustancias ilegales; otras fuentes señalan que puede estar relacionada con el cierre de una comuna cerca de Londres. Sea como fuere, cantar esa letra planteaba sus dificultades, y así una de las lineas se "atraganta" (la que comienza con "there you sit..."). Sin embargo, el grupo debió pensar que la toma era demasiado buena para cortar (y la verdad es que sí).
Four Sticks
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Una de mis canciones favoritas del disco, con una atmósfera realmente hipnótica. Puestos a buscar interpretaciones enigmáticas, el título ("cuatro palos") se prestaría a ello, pero la explicación es mucho más sencilla; John Bonham toca la batería con dos baquetas en cada mano, lo que explica el ritmo tan rotundo y el título.
Four Sticks es una canción un tanto infravalorada, como lo demuestra el hecho de que sólo se interpretó una vez en público en Copenhague en el 70 (curiosamente en el mismo concierto la banda hizo su única interpretación de Gallows Pole). A cambio, fue una de las dos canciones que Led Zeppelin grabaron en una sesión especial acompañados por la Orquesta Sinfónica de Bombay -la otra fue Friends-. Sin duda, lo mejor de Four Sticks, aparte del ritmo de bateria, es el riff de guitarra, tan machacón como efectivo y sobre todo, la parte vocal. Hacia el final de la canción, Plant se desmelena y empieza a "maullar", en un tono inalcanzable para cualquiera.
Going To California
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Según Plant, Going To California refleja una de sus obsesiones líricas: la búsqueda de la mujer perfecta, una mujer que "nunca ha nacido", según dice la canción. Hasta tal punto que solía añadir un verso cuando interpretaba la canción ("it's infinitely hard", es infinitamente difícil). En el concierto de Knebworth en 1990, añadió: "¿Sabéis? Sigue siendo difícil".
Aunque puede que Going To California sea la pieza más floja del disco, no desmerece al resto, y es una canción muy agradable de escuchar. Recientemente algunos han señalado el parecido entre esta canción y Given To Fly, de Pearl Jam (1998). Esta última tiene un sonido mucho más fuerte, que la hace más Zeppelin incluso que su "original".
When The Levee Breaks
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<DFN>(Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones, John Bonham & Memphis Minnie)</DFN>
La mejor manera de acabar el disco era con un blues, la tercera fuente de la que se alimentaban Led Zeppelin (las otras dos serían el folk y el rock and roll clásico). Pero este no es un blues cualquiera; desde el primer segundo, una batería descomunal nos graba el ritmo en la cabeza. Para conseguir este sonido único, Andy Johns y Jimmy Page experimentaron variando la posición de los microfonos y de la batería de Bonham. Finalmente, colocaron la batería junto a unas escaleras, y el micrófono unos tramos más arriba, recogiendo este sonido cavernoso.
When The Levee Breaks es una versión radicalmente diferente de una canción de Menphis Minnie y Kansas Joe McCoy, grabada hacia 1928. La historia de la canción, y del "dique" es bastante curiosa. Después de la guerra civil americana, muchos antiguos esclavos se asentaron y construyeron sus granjas en la ribera del Mississippi, desde el norte de Greenville hasta Memphis (una zona que se suele llamar el "delta", aunque no hay que confundirla con el delta del río, al sur de Nueva Orleans). La razón de que se instalaran allí fue la riqueza del suelo, que sufría periodicas inundaciones. Precisamente para paliar esas inundaciones se construyó un dique de 45 pies de altura. A principios de este siglo, las inundaciones devastaron varias granjas y cosechas, y muchas familias emigraron rio arriba hacia Chicago, a la vez que aumentaba la delincuencia o la prostitución en las zonas junto al río. Curiosamente, también proliferaban los locales donde empezaron a tocar bluesmen como Robert Johnson, Tommy Johnson o Son House. Los patrones de los locales eran muy exigentes, y parece ser que los músicos podían meterse en problemas si no agradaban al público.
Todo esto recogido en la canción, de nuevo con un Robert Plant sobresaliente, y la guitarra de Page acompañando perfectamente a Bonham, y más efectos curiosos, como el "panning" (el sonido cambia de un canal al otro) final y algunos trozos de guitarra grabados y reproducidos al revés.
<TABLE cellSpacing=0 cellPadding=0 width="100%" align=left border=0><TBODY><TR><TD width="70%"><TABLE cellSpacing=0 cellPadding=0 border=0><TBODY><TR><TD>Houses Of The Holy
<DFN>Atlantic
Publicado el 28 de Marzo de 1973
Producido por Jimmy Page
Productor ejecutivo: Peter Grant
Ingenieros: Eddie Kramer, Andy Johns (No Quarter)</DFN>
</TD><TD width=10>
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</TD></TR></TBODY></TABLE></TD><TD>
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</TD></TR></TBODY></TABLE>
Después del rotundo éxito del cuarto álbum, Led Zeppelin se embarcaron en una gira mundial, que incluía visitas al creciente mercado japonés (seguro que muchos fans han escuchado un disco pirata con el concierto de Tokyo de diciembre del 72). Tras esto, el grupo entró en una etapa de relativo descanso, retrasando la aparición del quinto disco hasta la primavera del 73, y también las giras (sus dos conciertos en el Wembley Empire Pool fueron los últimos en Gran Bretaña hasta casi cuatro años después).
Houses Of The Holy rompe con la tradición de los discos anteriores; en primer lugar, es el primero con un título o al menos un título "pronunciable". Pero también marca un cierto distanciamiento con la fuerte vena blues que había impregnado anteriores trabajos, a cambio de abrirse a otros estilos como el reggae o el soul. Los resultados son cuando menos, desiguales, y afortunadamente el viejo blues reaparecería en Physical Graffitti. Pero eso no quiere decir que el álbum sea malo. Muy al contrario, la cara A seguía por el camino iniciado con Stairway To Heaven: riqueza de instrumentación, melodías clásicas y canciones épicas (para algunos, pretenciosas). Y si el tono decae ligeramente en la cara B, se recupera con dos obras maestras como No Quarter y The Ocean, puro rock al estilo Zeppelin.
Por finalizar con el habitual comentario de la portada (un verdadero filón de anécdotas), estaba claro que Houses Of The Holy debía tener un diseño impactante, así que el grupo recurrió a Hipgnosis, un colectivo fundado por Storm Thorgerson, autor de la mayoría de las portadas de Pink Floyd (Atom Heart Mother, Dark Side Of The Moon...). La colaboración no tuvo buen comienzo, según Page:
<CITE>"Les habíamos encargado el diseño de Houses Of The Holy y este tío, Storm, vino con una foto de una pista de tenis verde eléctrico y una raqueta. Yo dije '¿Qué demonios tiene esto que ver?' y él dijo: 'Raqueta - ¿no lo pillas? -'. Le respondí: '¿Me estás diciendo que nuestra música es una raqueta?¡Lárgate!'. No le volvimos a ver. Acabamos haciendo el trabajo con otro de los artistas. ¡Ese tío tenía pelotas! Imagínate, en la primera cita con un cliente."</CITE>
Sin embargo los problemas con la portada no acabarían ahí, y un error en la impresión alteró los colores originales (no, no tenían que ser así: los niños tenían que ser plateados, y no morados...). Estos niños que aparecen subiendo una montaña representan la expectación por la música del disco, y la foto la realizó Aubrey Powell en Irlanda. También hizo la enigmática foto del interior, que muchos identifican con un sacrificio humano. En cualquier caso, parece que Powell se inspiró en un libro de ciencia ficción llamado "Childhood's End".
The Song Remains The Same
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
El inicio de Houses Of The Holy puede ser el mejor de cualquier álbum de Led Zeppelin, con tres canciones soberbias. La primera de ellas, The Song Remains The Same, fue concebida como una introducción instrumental, y de hecho uno de sus títulos de trabajo fue "The Overture" (otros fueron "The Campaign", o "Zep"). La canción es vibrante, con unos arreglos de guitarras realmente soberbios, y que nos remontan a un tema de los Yardbirds, Tinker Tailor Soldier Sailor (ya mencionado en
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). El solo también es vibrante con algunos trozos de inspiración india muy apropiados.
La letra de la canción es un homenaje a las músicas del mundo, y un recuerdo de los viajes y experiencias del grupo a lo largo de sus giras. Plant estaba bastante orgulloso de la canción, y eso puede explicar que el grupo la usara para dar título a su película-disco en directo (una canción da título a un disco posterior, y para rizar el rizo, este mismo Houses Of The Holy daría título a una canción en el siguiente disco, Physical Graffitti).
The Rain Song
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Una auténtica maravilla de canción, con una melodía impagable, y una letra realmente evocadora. El título original de la canción era "Slush" (algo así como "aguanieve"), y quería expresar la naturaleza suave y fluída de todo el tema. Esa atmósfera se consigue en su mayor parte gracias al mellotron tocado por John Paul Jones, que en esta ocasión simula una sección de cuerda; y con este comentario creo que lo oportuno es explicar qué es un mellotron:
El mellotron es el antecesor directo del sintetizador o del sampler, y se basa en utilizar muestras (samples) de sonido de distintas fuentes. El problema es que en la actualidad todo esto se hace digitalmente, y el mellotron lo hace mediante cintas (con todo el problema que conlleva de duración de las notas y las cintas, tono, etc.). El artilugio es bastante complicado, y hacia falta mucha maña (y un técnico al lado) para sacar algo en claro. A pesar de todo ofrece un sonido realmente pulcro, y de ahí que lo utilizaran grupos como los Zeppelin, o los mismísimos Beatles en su Strawberry Fields Forever. Si quereis oir un mellotron hoy en día podeis encontrarlo en la canción One de U2.
Pero sigamos adelante. La letra de Robert es especialmente buena, con su enumeración de estaciones y sentimientos; la canción puede parecer grandilocuente en la primera escucha, pero la verdad es que a mi me encanta. Y sobre todo, tiene el final más hermoso que se pueda escuchar, una melodía a guitarra de Page que merecería una canción por sí sola.
Over The Hills And Far Away
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
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El primer single del album y otra canción para quitarse el sombrero. Over The Hills And Far Away profundiza en la mezcla de elementos acústicos y eléctricos, una cualidad que pocos han explotado tan bien como Led Zeppelin (y que les remonta a estilo del blues de Memphis). La canción habla de nuevo de los temas habituales: mujeres, "caminos abiertos" y... oro, aunque no se trate del metal, sino de "Acapulco gold", un término de jerga referido a la marihuana. Para que no quede duda, aunque la palabra Acapulco no aparece en la letra, Plant la solía añadir en los conciertos.
En el terreno musical, el solo de Page, a mitad de la canción es especialmente bueno, con un riff machacón por detrás de la melodía y algunos trucos muy efectivos, como la sucesión de acordes al final. Algunos oyentes con mejor oído que yo aseguran que también en esta canción se puede oír cómo chirría el pedal del bombo de Bonham (yo no oigo nada).
En conjunto, Over The Hills resultaba una pieza complicada de tocar, y así es dificil encontrar una interpretación fiel en los conciertos piratas que circulan por ahí (lo que no quiere decir que sean malas). Si que se encuentran anécdotas, como en Knebworth en 1979, donde Page rompe una cuerda y la canción se corta...
The Crunge
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<DFN>(John Bonham, John Paul Jones, Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
La canción más odiada de Led Zeppelin, quizás porque nadie se ha detenido a pensar cuál es su objetivo. The Crunge es una gigantesca broma, una parodia amable de la música funky y sobre todo de su pieza ma´s simbólica, Sex Machine, de James Brown. El peso de la canción recae sobre la batería de Bonham y el riff, muy al estilo soul, de Page. El ritmo de la batería es tan sincopado que hace la canción imposible de bailar, así que continuando con la broma, se pensó en lanzar la canción como single, con una foto en la portada de los cuatro músicos explicando los pasos de baile.
En cuanto al riff, tocado con una Stratocaster, su insistencia explica parte de la letra de la canción; en Sex Machine, James Brown repetía insistentemente "Can I take it to the bridge?" (¿puedo llevarlo al puente?), más como una exclamación que como una frase de la canción. El caso es que ese "puente", en terminología musical, es una cambio de la clave tónica a otra distinta. Como The Crunge no tiene puente, el riff se repite una y otra vez, como atascado, y Plant pregunta: "Excuse me, oh will you excuse me, I'm just trying to find the bridge". Aunque cuesta creerlo, la voz que le responde y pregunta "Where's that confounded bridge?" (¿Dónde está ese maldito puente?) es también la de Plant. Más voces invitadas: la del ingeniero George Chkiantz, a quién se puede oír al principio hablando con Page. Por cierto, que le pregunta si le gusta la toma.... (algo a lo que muchos fans responderían que no).
Dancing Days
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Una canción de clara inspiración india (fijaros en la melodía de la guitarra), ya que de hecho esta basada en la música que Robert y Jimmy escucharon en Bombay durante un viaje a la india. La canción resulta así una mezcla muy agradable con ritmo de rock clásico y un riff más exótico. Eddie Kramer, ingeniero del tema, recordaba a la banda "bailando sobre el cesped" mientras escuchaban las mezclas en Stargroves.
D'yer Mak'er
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<DFN>(Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones & John Bonham)</DFN>
La "otra" canción más odiada de Led Zeppelin, y de nuevo hay que tener en cuenta cuál era la intención de la banda. En principio, la idea era recrear un grupo de "doo-wop" de los 50, llamado Rosie And The Originals (según las letras que aparecen en el álbum, al final se preguntan que ha pasado con ellos -- porque la canción es de todo menos de doo-wop), pero al final se convierte en un intento de reggae no muy conseguido.
Seguramente lo más curioso es el título: D'yer Mak'er se pronuncia en inglés (con acento de Cockney) como "Jamaica". Esto explica la atmósfera reggae del tema, pero El título correctamente escrito se leería "Did You Make Her?". Algunas interpretaciones hablan de que éste es un termino de jerga con connotaciones sexuales ("hacérselo" con alguien). Pero la verdadera respuesta es este
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de music-hall, según confirmó John Paul Jones en una entrevista en 1993.
No Quarter
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<DFN>(Jimmy Page, Robert Plant & John Paul Jones)</DFN>
Posiblemente la mejor canción de Led Zeppelin (bueno, esto es una opinión personal), y desde luego la más completa. No Quarter, "sin cuartel", es la personalísima interpretación que la banda hace del rock sinfónico o del rock progresivo; así están presentes la riqueza instrumental y la complejidad de otras bandas sinfónicas, pero nunca se pierde la inmediatez, el rock sin fisuras de Led Zeppelin.
No Quarter sirve sobre todo para demostrar el inmenso talento de John Paul Jones, que se encarga de piano y sintetizadores, responsables del sonido de la canción. También contribuye Page con un riff marca de la casa, y sobre todo otro de sus trucos de estudio: todo el tema, menos la batería, esta a una velocidad menor, lo que hace que todo baje medio tono, según Page "porque hacía el tema mucho más denso y le daba más intensidad". También la voz de Plant está tratada con "flanging", a lo que se suma el theremin, que se puede escuchar cuando Plant habla de "los perros del mal" (the dogs of doom).
Todo esto sumado a una letra oscura, sugerente sobre mensajeros, caminos cubiertos por la nieve, mitología... en fin, un verdadero clásico y una de las mejores canciones que podais escuchar.
The Ocean
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<DFN>(Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones & John Bonham)</DFN>
Y para terminar, todo un océano. The Ocean es también una obra maestra de canción, que tiene suficientes detalles como para volverse loco. Para empezar, la cuenta inicial de Bonham, que nos indica cuántas tomas llevaban hasta entonces:
<CITE>"We've done four already, but now we're steady, and then they went, one, two, three, four..." (Ya hemos hecho cuatro, pero ahora estamos parados, y dice uno, dos, tres, cuatro)</CITE>
El riff es magnífico, como suele ser habitual, y la interpretación de Plant también. Al respecto de la letra, hay trozos difíciles de entender (por el tono tan alto que llega a alcanzar Plant), pero el mensaje de la canción es claro. El "oceano" es el público de un concierto, y esa es la sensación que tiene Robert al cantar. También habla de la "chica que se ganó su corazón", y que no es otra que su hija Carmen, de tres años por aquel entonces (en los sucesivos conciertos, la letra se iba adaptando a la edad de Carmen). Más complicada de explicar es la línea "hitting on the moonshine, rocking in the grain", que hace referencia al alcohol hecho con grano en Estados Unidos durante la prohibición; el alcohol ilegal recibía ese nombre (moonshine).
Aunque lo más interesante es escuchar la canción y descubrir ¡un teléfono! hacia el minuto y medio de canción. La partitura que se incluye con la edición de los diez discos lleva escrito "ring" en el apartado de percusión, así que parece estar ahí aposta. Además hacia el final de la canció tenemos unos divertidos coros de doo-wop (¿esto no tendría que aparecer en D'yer Mak'er?), que tiene sus sorpresas; cantan Robert, John Paul Jones y John Bonham, pero se puede oir como Plant se disculpa por algo (?) y sigue con los coros. Un verdadero fin de fiesta.
<TABLE cellSpacing=0 cellPadding=0 width="100%" align=left border=0><TBODY><TR><TD width="70%"><TABLE cellSpacing=0 cellPadding=0 border=0><TBODY><TR><TD>Physical Graffiti
<DFN>Swan Song
Publicado el 24 de Febrero de 1975
Producido por Jimmy Page
Productor ejecutivo: Peter Grant
Ingenieros: Ron Nevison, Keith Harwood, Andy Johns, Eddie Kramer, George Chkiantz</DFN>
</TD><TD width=10>
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</TD></TR></TBODY></TABLE></TD><TD>
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</TD></TR></TBODY></TABLE>
El descanso que se tomó la banda entre el 73 y el 74 les sirvió para realizar colaboraciones, componer canciones y dedicarse a otros asuntos no tan relacionados con la música. Uno de ellos fue la creación de su propio sello,
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, que utilizarían para publicar su sexto trabajo, Physical Graffiti. La creación de Swan Song fue el resultado de las negociaciones entre Peter Grant y Atlantic a la hora de renegociar el contrato de la banda, en 1974. Grant consiguió que todos los asuntos de la banda pasaran a depender de un sello aparte, para el cual se había pensado en nombres como Eclipse, Slut, Slag, Deluxe, Stairway o el de la compañía que publicaba las canciones, Superhype. Finalmente, se bautizó como Swan Song, título de una canción de Page aun sin acabar (por cierto, una canción muy dificil de localizar, y que sirvió de semilla a otras muchas).
Physical Graffiti es uno de los discos preferidos por los fans, seguramente porque al ser doble ofrece casi 80 minutos de buen rock al estilo Zeppelin. El caso es que, como todos los discos dobles, responde a la necesidad de sacar a la luz material inédito, y que no habría podido ver la luz de otra manera. Page lo explicaba así:
<CITE>"Como siempre, teníamos más material que los cuarenta y pico minutos requeridos para un álbum. Teníamos material para un LP y medio, así que pensamos en sacar un doble y usar algo del material que habíamos grabado antes pero no habíamos publicado. Parecía un buen momento para hacer eso, sacar canciones como Boogie With Stu, lo que normalmente no podríamos hacer."</CITE>
Esta mezcla de canciones nuevas y viejas permite apreciar la evolución del sonido Zeppelin: la producción es ahora más esmerada, dando mayor riqueza a la batería o a los teclados de Jones. A cambio, los pesimistas dirían que se pierde el sonido "crudo" de los inicios y (peor aún) que la voz de Plant, a pesar de sonar magnífica, no alcanza las mismas cotas que antes (basta comparar Black Country Woman y The Wanton Song). En cualquier lugar, el el resultado es muy sólido y tanto los aficionados como la crítica reconocen que Physical Graffiti contiene algunas de las mejores canciones de Led Zeppelin.
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Pasando a otros temas, como ocurría con Led Zeppelin III, la portada pierde gran parte de su encanto en la edición en CD. La funda original tenía cortes en las ventanas, a través de las cuales se podían ver las distintas fotos de las fundas interiores, un diseño (parece ser) muy similar al álbum Compartments de José Feliciano. El edificio de la foto es concretamente el número 97 de St. Mark's Place, en Nueva York, justo en medio de Greenwich Village. Y aunque no sé a ciencia cierta si es anterior o posterior a la salida del disco, hay una tienda de ropa usada en el sótano, naturalmente llamada... Physical Graffiti. La portada también tiene su interpretación simbólica, por supuesto: el hombre sentado en las escaleras guarda algún parecido con Bonham, y parece que sostiene en brazos a dos cachorros de color negro (¿Black Dog?). Las dos puertas representan dos opciones, los "dos caminos" mencionados en Stairway to Heaven; además, en la parte de atrás uno de los dos caminos aparece luminoso pero cerrado, mientras que el oscuro tiene la puerta abierta... y al estar la foto invertida (fijaos en los cubos de basura), el hombre de las escaleras estaba sentado junto al camino oscuro... En fin, podemos estar así varias horas, así que mejor pasar a las canciones
Custard Pie
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Como suele ser costumbre, el arranque de Physical Graffiti es tan contundente como en el resto de los discos de la banda. Custard Pie, con su machacón riff de guitarra, es una vuelta al blues que había marcado los inicios de Led Zeppelin, pero se nota el paso del tiempo: el sonido es más estilizado, más "elegante", aunque con mucha energía.
Y también para seguir con la costumbre, las referencias en las que se basa Custard Pie son múltiples: nada menos que en 1935, Sleepy John Estes grabó una canción, Drop Down Daddy, que parece ser la primera fuente. Cuatro años después, Blind Boy Fuller grabó su I Want Some Of Your Pie, que luego tuvo versiones a cargo de Sonny Terry (Custard Pie Blues) y de Big Joe Williams (Drop Down Mama), esta última con letra casi idéntica a la que canta Plant. Pero en la canción también hay varios elementos de Shake 'em On Down, de Bukka White (el trozo de "put on your night shirt..."), al igual que en Hats Off To (Roy) Harper.
The Rover
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
La primera de las canciones "de relleno" de Physical Graffiti, aunque eso no quiere decir que no merezcan la pena. The Rover se grabó en la misma sesión que D'yer Mak'er, y estaba destinada a aparecer en Houses Of The Holy, aunque al final tendría que esperar a la aparición de este disco doble. Se trata de una canción dominada por el tema de guitarra, que acompaña a la voz de Plant a la perfección, y también es muy destacable el estribillo, realmente épico. La letra alude una vez más a la búsqueda de una mujer, aparte de otras referencias más o menos veladas (a las drogas, según algunas fuentes). Y quizás sea cosa mía, pero la versión remasterizada no se oye todo lo bien que debería; en cualquier caso sería comprensible, ya que el proceso de buscar las cintas originales fue una auténtica labor de arqueología, según George Marino, el técnico responsable.
In My Time Of Dying
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<DFN>(Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones & John Bonham)</DFN>
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In My Time Of Dying es una de las canciones más intensas del disco, más de diez minutos de blues épico, con Page luciéndose a la slide guitar y la voz de Plant implorando por su alma... De nuevo nos encontramos con una canción con gran historia a sus espaldas; se trata de un tema tradicional, popularizado por Bob Dylan, que lo grabó para su primer disco. Pero la primera grabación la realizó Blind Willie Johnson, con el título Jesus Make Up My Dying Bed. Según Plant, su versión se inspira también en la que hizo Josh White en 1933. Pero hay más ramas en el árbol; la canción Bury My Body, de los Animals comparte algunos versos (la parte de "...if my wings should fail me"), pero seguramente el parecido más acusado se da con la canción In My Time Of Dying del grupo canadiense Fear Itself, atribuída a su cantante y guitarrista Ellen McIlwaine. No solo hay coincidencias en letra y duración, sino que también se repite el verso del final ("my dying... cough").
La canción empieza lenta y se va animando (con un fantástico riff que se acelera), hasta que acaba en una auténtica "jam session". Esto lo confirmó Page, que lo explicaba diciendo que la banda no tenía "ni idea de cómo acabar la canción". A este respecto, después del abrupto final se puede oir esta conversación:
<TABLE width="90%"><TBODY><TR><TD><CITE>Alguien [?] : [fuerte tos]</CITE></TD></TR><TR><TD><CITE>Plant : [canta el último verso] "...cough."</CITE> </TD></TR><TR><TD><CITE>Bonham : "That's gotta be the one... hasn't it?"</CITE></TD><TD><CITE>"Tiene que ser esta... ¿no?"</CITE></TD></TR><TR><TD><CITE>Alguien : [sigue tosiendo mientras Bonham habla]</CITE></TD></TR><TR><TD><CITE>Ron Nevison [?] : "Come and have a listen then."</CITE></TD><TD><CITE>"Ven a escuchar entonces"</CITE></TD></TR><TR><TD><CITE>Jones [?] : "Oh yes, thank you."</CITE></TD><TD><CITE>"Oh si, gracias"</CITE></TD></TR></TBODY></TABLE>
Sobre la letra de la canción, la verdad es que resulta bastante sobrecogedora. El tema enlaza con la temática religiosa de algunos de los primeros blues, aunque Robert Plant solía cambiar algunas líneas para despistar: hacia el final de la canción el grito "Oh My Jesus" se convierte en "Oh My Gina" y "Oh Georgina". Un último dato para los más enterados; la versión del album está en La, pero en los conciertos el grupo la tocaba en Sol (la verdad es que me gustaría saber más de música para poder apreciar estas cosas, pero bueno...)
Houses Of The Holy
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Una canción soberbia, tanto por su riff de guitarra (tratado con un poco de "flange") como por la interpretación de Plant. Houses Of The Holy se grabó en 1972 para el disco de ese título, aunque no vio la luz por quién sabe qué razones. El caso es que resulta un rock and roll magnífico, muy en la línea de la banda.
Un dato a destacar de la canción es la letra, bastante diabólica: la interpretación más obvia sería que el personaje de la canción es alguien intentando seducir a una mujer, aunque algunas lineas sugieren que ese personaje es... ¡el mismo diablo! Vaya, otra vez volvemos con lo mismo...
Trampled Under Foot
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<DFN>(Jimmy Page, Robert Plant & John Paul Jones)</DFN>
Una canción realmente original por su sonido (en algunos sitios la denominan "semi-funk"). Las verdaderas estrellas son Bonham y sobre todo Jones, que se marca una fabulosa interpretación con el piano eléctrico. En cuanto a la letra, que mezcla con bastante humor las mujeres y los coches (dos de las principales preocupaciones masculinas), el tema no resulta tan nuevo: Robert Johnson ya lo trató de una forma similar en su Terraplane Blues y más tarde lo harían los Stones con Brand New Car
Sobre la batería, el ritmo es reamente complicado, y Bonzo alardeaba de que el único aparte de él al que había oído tocar bien la canción era su hijo Jason (por aquel entonces tenía 11 años...). Siguiendo con las bromas, en un concierto en marzo del 75, Plant presentó así la canción:
<CITE>"Supongo que en vez de una canción de limón [Lemon Song] esta es una canción de una cuarta de aceite... Trampled Underfoot"</CITE>
Kashmir
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<DFN>(Jimmy Page, Robert Plant & John Bonham)</DFN>
Una de las mejores canciones de Led Zeppelin, o por lo menos una de las que el grupo se mostraba más satisfecho. Kashmir reune todos los elementos característicos del sonido Zeppelin: un ritmo implacable, inspiraciones exóticas y virtuosismo instrumental (sobre todo por parte de Jones y de Bonham). La melodía principal es soberbia, y se ve arropada por una sección de cuerda que acompaña a la guitarra, un tipo de arreglo que experimentaron Page y Jones en la canción de los Yardbirds Little Games. Pero además de la cuerda también hay un mellotron tocado por Jones, facilmente distinguible hacia el final de la canción.
A pesar de todo esto, se pensó en volver a grabar la canción por varios motivos. Por ejemplo, Plant sentía que su interpretación no había sido suficientemente buena (?), mientras que en la partitura original escrita por Jones (y que fue subastada por una buena suma de dinero), se especifica que la intención original era incluir violas y cellos, ya fuera en estudio o en actuaciones en directo. Aunque tocar Kashmir en directo no resulta fácil... El propio Jones recordaba la actuación en Zurich en 1980, en la que él era el encargado de dar la entrada cuando se producían los cambios en la canción, solo que se perdió y con él toda la banda. El problema lo solventó Bonham, que decidió improvisar un solo para que después las cosas volvieran a su sitio.
Y sobre la letra de la canción, es sin duda magnífica... salvo que es ¡absolutamente falsa! Si os habeis fijado, la letra habla de desiertos y de sol abrasador, algo que concuerda con la música y nos situaría en Marruecos, quizás cerca de la cordillera del Atlas. Entonces ¿por qué Kashmir (Cachemira), que es una región junto a los Himalayas, donde hace bastante frío? Supuestamente Plant trata de evocar un paraiso espiritual, así que el nombre de la canción (originalmente Driving to Kashmir), aunque no concuerde, suena bastante bien... Por cierto, Plant es famoso por olvidarse de las letras en ocasiones especiales, como en la reunión del 40 aniversario de Atlantic, donde interpretó Kashmir y repitió dos veces un verso (la cosa quedó como "Oh father of the four winds, fill my sails... again!")
A pesar de tanta anécdota, la canción sigue siendo una obra maestra. Y si no, que se lo pregunten a cierto rapero americano, que hizo una versión, eh, diferente (con la colaboración de Jimmy; espero que se llevase un buen dinero a cambio...).
(Continúa en el segundo disco)
<TABLE cellSpacing=0 cellPadding=0 width="100%" align=left border=0><TBODY><TR><TD width="70%"><TABLE cellSpacing=0 cellPadding=0 border=0><TBODY><TR><TD>
Presence
<DFN>Swan Song
Publicado el 31 de Marzo de 1976
Producido por Jimmy Page
Productor ejecutivo: Peter Grant
Ingenieros: Keith Harwood, Jeremy Gee</DFN>
</TD><TD width=10>
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Después de publicar Physical Graffitti, el grupo se embarcó en la habitual gira de promoción, dejando conciertos memorables, como los de Mayo del 75 en el Earl's Court de Londres. Poco después la banda se mudó (al menos fiscalmente) a Suiza, básicamente para eludir la presión de los impuestos en Gran Bretaña. Led Zeppelin había alcanzado ya la cima, y parecía que el descenso (si se producía) sería pausado y en calma. Pero es a partir de entonces cuando empiezan a caer las desgracias sobre la banda: en agosto del 75, Robert sufre un grave accidente de coche durante unas vacaciones en la isla griega de Rodas. Como resultado, debe pasar casi dos años en reposo, lo que detiene la marcha de la banda. A pesar de todo, aprovecharán para grabar Presence en los estudios Musicland de Munich, Alemania y poco después estrenar The Song Remains The Same.
Presence no es el disco más inspirado de Led Zeppelin... pero tampoco es tan malo como algunas críticas hacen pensar. Hay que tener en cuenta que la banda seguía fiel a un estilo más o menos definido durante 7 años, pero en la escena musical empezaban a cambiar las cosas: faltaba poco para la explosión del movimiento punk, que arremetería contra todos los grupos establecidos (a este respecto, el redactor de la revista "Punk", Legs McNeil, recordaba que "aunque todos nos metíamos con ellos, estaba claro que los grupos que llenaban los conciertos eran Led Zeppelin o Bad Company").
Todo esto se traduce en que el sonido del disco es bueno, está en la linea de Led Zeppelin, pero no hay tantos momentos memorables como en discos anteriores, o quizás todo suena... repetido (por lo menos en el caso de Tea For One). A cambio, y eso es lo que lo hace valioso, esos momentos memorables forman parte de la historia de Led Zeppelin: Achilles Last Stand o Nobody's Fault But Mine... de hecho, muchos fans eligen Achilles como la mejor canción de Led Zeppelin, por encima de Stairway To Heaven, o Whole Lotta Love, por ejemplo. El caso es que este es quizás el último disco de estudio de que sigue esa línea musical iniciada con Led Zeppelin I. El siguiente álbum, In Through The Out Door, cambiaría esa línea de modo notable.
Lo que no cambia en absoluto es el pequeño comentario de la portada, o más que de la portada, del concepto que encierra. El trabajo fue realizado por el grupo
Hipgnosis (una vez olvidada la fallida colaboración en
Para ver el LINK que hay acá tenés que dejar de ser rata, registrarte y tener al menos 1 post.), y resulta bastante inquietante, al menos en su antiguo formato para discos de vinilo. Las fotos que aparecen están todas relacionadas por "El Objeto", una especie de estatuilla que recuerda al monolito de la película
2001: Odisea en el espacio aunque con una torsión en el centro. La mejor explicación de la idea la daba
Storm Thorgerson, creativo de Hipgnosis, en una entrevista en 1992:
<CITE>"Me gustan las fotos que no tengan una explicación evidente [...] Recuerdo que la idea de Presence era mezclar fotos nostálgicas de los años 30 y 40 con un objeto del futuro, que era básicamente un agujero negro con una forma curiosa. Para mí, representaba la energía de Led Zeppelin, de la que la gente en casa, o en la escuela, necesitaría una dosis cada pocas horas, como la última droga. Así que el diseño estaba relacionado con la banda y sin embargo de forma extremadamente leve, del mismo modo que lo más gratificante de la música es que te hace formar tus propias imágenes."</CITE>
La idea funciona bien, y la prueba es que el propio Page la volvió a usar en su disco con David Coverdale, colocando de nuevo un objeto extraño en medio de diversas fotografías (aunque en esta ocasión se trataba de una señal de tráfico). Por cierto, el nombre del objeto es oficialmente ese, "The Object", y como tal fue registrado por Swan Song en 1976.
Achilles Last Stand
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Menuda canción. Sencillamente perfecta, aunque no tenga nada de sencilla... El caso es que Achilles es una canción tan soberbia que puede ser la causa de que el resto del disco flojee un tanto. El propio Page está particularmente orgulloso de ella, mientras que Plant, que aun estaba convaleciente en una silla de ruedas, literalmente, ¡se cayó de espaldas cuando oyó el resultado de la grabación! Este último dato sirve para aclarar el título: dado que Plant es muy aficionado a la mitología clásica (en la letra se menciona a Atlas, el gigante que sujeta el mundo sobre sus hombros) y que tenía el talón roto (el punto débil del héroe griego), no podía hacer muchas tomas de la canción: esta era, entonces, la "última oportunidad de Aquiles".
Pero como me habeis recordado algunos, no es justo olvidar la sección rítmica de la banda, que aquí es espléndida. Bonham está soberbio, llevando la canción a un ritmo implacable, pero no carente de virtuosismo: no creo que ningún batería actual pueda hacer lo que hace él en esta canción, alterna el ritmo con unos "rellenos" de batería sincopados verdaderamente increibles. Pero Jones no se queda atrás: también contribuye a acentuar ese ritmo y no con un bajo cualquiera, sino con uno de ocho cuerdas, bastante exótico por cierto (es interesante comparar su sonido, bastante más agudo, con el sonido de un bajo de cuatro cuerdas, como los que usa en discos anteriores).
Pero no me puedo resistir a hablar de lo que hace Jimmy Page en esta canción. Hay un montón de anécdotas al respecto, y quizás la más exagerada es la que dice que todas las partes dobladas de guitarra de Presence se grabaron en una sola noche, incluyendo las de Achilles... yo creo que es sencillamente imposible; al propio Page le cuesta recordar cuántas veces está doblada la guitarra en esta canción. Otra leyenda sobre la canción es que debido a su complicación, cuando Page se la enseñó a Jones, éste fue incapaz de ver en qué escala estaba, hasta que Jimmy se lo explicó. Y la verdad es que la canción es una verdadera exhibición de como sacarle partido a una guitarra: las armonías son realmente elaboradas, la melodía central (o una de las melodías, porque hay varias) es cautivadora, y hay todo tipo de efectos realmente inspirados, y todos hechos con guitarra (aunque algunos señalan que un sonido que aparece hacia los siete minutos de canción parece más un teclado, pero de todos modos podría ser una guitarra muy distorsionada).
Y posiblemente el título es acertado en otro sentido: esta es una de las últimas grandísimas actuaciones de Plant (las siguientes bajan la nota hacia sólo "grandes actuaciones"). Su voz suena casi como en los viejos tiempos, y su letra es original y hermosa (inspirada, al parecer, en la guerra de Troya... bueno, eso me resulta más difícil de confirmar). En suma, un arranque soberbio para Presence, aunque sea un listón demasiado alto para el resto del disco.
For Your Life
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
El caso es que For Your Life empieza bien, con un riff lento muy marcado por el bajo, la ya "clásica" referencia al limón (ejem...) y un ritmo muy pegadizo. Quizás el cambio de tonalidad a mitad de la canción no queda muy bien, quizás en ese trozo la voz de Plant suena un poco rara, pero en fin, la canción no está mal del todo. Una nota muy curiosa de la canción es el ruido que hace Robert cuando canta la línea "paying through the nose": jugando con el sentido de la canción, imita el ruido de... esnifar cocaina.
Royal Orleans
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<DFN>(John Bonham, John Paul Jones, Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Para ver el LINK que hay acá tenés que dejar de ser rata, registrarte y tener al menos 1 post. Una canción muy humorística sobre los peligros de los "amores ocasionales" y algún que otro equívoco de género. Durante mucho tiempo se ha especulado que la canción hacía referencia a John Paul Jones, y alguna "aventura" bastante extraña en el hotel Royal Orleans, de Nueva Orleans. De cualquier modo, su nombre se cambia por John Cameron en la canción, aunque años más tarde Robert Plant bromeaba sobre la amistad entre Jones y los travestis de Nueva Orleans (por cierto, ya os podeis imaginar a qué se refiere Plant cuando grita "Whiskers!" -- "¡Bigotes!").
Musicalmente, el tema resulta casi funky, con un punteo de guitarra realmente curioso. Por lo demás, no hay mucho que resaltar, y quizás la canción está poco desarrollada (es la más corta del disco, con menos de tres minutos), por lo que se queda en una simple broma.
Nobody's Fault But Mine
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Una magnífica canción, y de sobra, la única del disco que puede aguantar la comparación con Achilles. Nobody's Fault But Mine era una canción original de Blind Willie Johnson, pero una vez más, el grupo se tomó unas ciertas libertades respecto a su autoría. Plant:
<CITE>"En primer lugar, es de dominio público porque lleva muerto mucho tiempo. Y en segundo lugar, no es su canción -- nadie sabe de donde viene"</CITE>
Aparte de eso, la letra tiene alguna similitud con
Hellhound On My Trail, de Robert Johnson, y nos remonta al llamado country blues blanco ("blanco" aplicado al caracter religioso, no a la raza de sus intérpretes). Al igual que en
In My Time Of Dying (ver
Para ver el LINK que hay acá tenés que dejar de ser rata, registrarte y tener al menos 1 post.), la canción nos presenta a un hombre, en el momento de su muerte, aunque si en la primera intentaba demostrar que nunca había hecho daño a nadie, aquí intenta redimirse asumiendo sus culpas. Los arreglos de la canción original eran bastante escuetos (y en el disco
Unledded de Page y Plant, se recupera esa versión original acústica), pero en Presence, la canción tiende descaradamente hacia el rock más eléctrico.
Como siempre resulta notable el trabajo de guitarras, batería y bajo, pero en esta ocasión aparece de nuevo el Plant de los mejores tiempos y... ¡la harmónica! Una agradable sorpresa, que no recordábamos desde mucho tiempo atrás (de hecho es así si considerais la fecha de Black Country Woman, la última canción en que aparecía). Por último, si teneis la versión remasterizada de Presence, habreis comprobado que dura mas o menos 6:11, en lugar de los 6:27 que se indican. La razón es que Jimmy cortó parte de la introducción cuando se realizo la remasterización.
Candy Store Rock
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Candy Store Rock es una canción de rock and roll clásico, tanto en el tema (aunque el tratamiento sea un poco más descarado) como en el sonido, con la voz de Plant al estilo de Eddie Cochran o Gene Vincent. Suena bien, pero no es memorable; y no hay mucho que decir sobre ella, salvo que los oídos más atentos han descubierto algún riff de guitarra muy parecido al de Walter's Walk, o uno de bajo calcado de The Wanton Song. Y bueno, también es posible que los coros con el "all right" sean una de las pocas ocasiones en que Jimmy se atreve a cantar.
Hots On For Nowhere
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Para ver el LINK que hay acá tenés que dejar de ser rata, registrarte y tener al menos 1 post. Sin ser memorable, Hots On For Nowhere tiene bastantes cosas que comentar. Por ejemplo, el riff, de nuevo marcado por el bajo, el tema marcado por la guitarra, realmente virtuoso (el riff que usa aquí en Mi y luego en La aparece en Walter's Walk, pero en La), o el ritmo de la batería, que va creciendo con la canción. Pero el verdadero jugo se encuentra en la letra.
Para empezar, una referencia geográfica: la "esquina de Bleeker y ningún sitio" podría aludir a la calle
Bleeker de Nueva York, en Greenwich Village, y cercana a
St. Marks Place (ver
Para ver el LINK que hay acá tenés que dejar de ser rata, registrarte y tener al menos 1 post.). En esa calle había varios clubes con actuaciones en vivo, y era un lugar obligado para todos los músicos aspirantes, como el propio Hendrix. Pero también hay una calle Bleeker en Londres, con varios pubs similares. Y otra calle Bleeker en Nueva Orleans. Y por terminar de mencionarlas todas, hay incluso una canción de
Simon y Garfunkel que se titula
Bleeker Street.
Sobre el tema de la canción, aunque es bastante sutil, parece que toda la letra es una queja bastante airada de Plant hacia amigos íntimos, que según él le darían "todo" (en traducción muy libre). Según esto, esos amigos serían Jimmy Page y Peter Grant, aunque los motivos de esta queja no están tan claros. En cualquier caso, la canción resulta marchosa, con sus coros de "la-la-la yeah".
Tea For One
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<DFN>(Jimmy Page & Robert Plant)</DFN>
Una de las pocas canciones de Led Zeppelin que no me gustan... o que me gustan menos. Tea For One es un blues tranquilo, cuya letra es una reflexión melancólica de Plant durante el tiempo en que estuvo separado de su mujer por el accidente de coche en Rodas. El ritmo recuerda mucho a Since I've Been Loving You (los dos están interpretados en Do), pero no tiene tanta pasión, ni en la letra ni en la música, y más aún, Page reconoció que este tema era el único en el que se habían copiado a sí mismos.
Quizás lo más curioso de esta similitud sea que las versiones en vivo de Since I've Been Loving You se fueron pareciendo con el tiempo más y más a Tea For One... hasta la de 1980, que supuso un "retorno a las raices". En resumen, un final no muy logrado para un disco desigual.
Faltan: The Song Remains The Same, In Through The Out Door, Coda, y compilaciones y varios
Para ver el LINK que hay acá tenés que dejar de ser rata, registrarte y tener al menos 1 post. LINNKS:
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[LA DATA] Led Zeppelin 
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